À la Bibliothèque nationale de France, une exposition réunit quatre-vingts ans de photographie japonaise. Elle s’intitule Photographies japonaises de la Bibliothèque nationale de France. 1945-2025. Scènes, signes, sensations et se tient dans la galerie 2 du site François-Mitterrand jusqu’au 31 janvier 2027. Cette semaine, Le Monde l’a qualifiée de « plongée époustouflante ». Pour un photographe qui prépare ses séances, la visite est aussi un vrai cours de cadrage, de mise en scène et de tirage.
Plan de l'article
Un fonds constitué dès la fin des années 1960 #
D’après le communiqué de presse de la BnF, la bibliothèque a été l’une des premières institutions occidentales à collectionner la photographie japonaise moderne et contemporaine, dès la fin des années 1960. Son département des Estampes et de la photographie conserve aujourd’hui près de 4 000 tirages, réalisés par quelque 200 artistes et reporters, ainsi qu’une centaine de revues et d’ouvrages.
L’exposition présente 300 œuvres : 250 tirages, majoritairement en noir et blanc, et une cinquantaine d’ouvrages rares. Une centaine d’artistes y figurent, des noms très connus à l’international comme des auteurs à découvrir. Les commissaires sont Héloïse Conésa et Dominique Versavel, conservatrices en chef à la BnF, avec Yoshiaki Kai, professeur à l’université de Niigata, comme conseiller scientifique. Le ministère de la Culture a labellisé l’exposition « Bicentenaire de la Photographie ».
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Six sections, six façons de photographier #
Le parcours est organisé en six sections. Chacune correspond à une démarche que l’on peut transposer dans sa propre pratique, en reportage comme en séance posée.
Face au réel : le reportage comme socle
La première section rassemble la photographie de reportage d’après-guerre : les reportages d’Hiroshi Hamaya, les séries d’Hiromi Tsuchida et celles de Yoko Yamamoto. Le monde rural, les fêtes, les rituels et l’expansion des villes y côtoient la résilience après le traumatisme nucléaire. Pour un photographe d’événement, c’est un rappel utile : le contexte, les gestes et les lieux racontent autant que les visages.
Étrange quotidien : l’ordinaire qui dérape
Viennent ensuite les auteurs du courant Konpora Shashin, comme Shigeo Gocho ou Tokuko Ushioda. Entre les années 1960 et 1980, ils ont photographié l’expérience ordinaire. Comme le résume la BnF, « par la composition, le cadrage ou du fait de rencontres inattendues, la banalité se teinte alors d’étrangeté ». C’est une piste précieuse pour les séances lifestyle : décaler légèrement le cadre suffit parfois à rendre une scène banale mémorable.
Corps mis en scène : la direction de modèle
La troisième section touche directement à la séance portrait. Shoji Ueda, Eikō Hosoe et ses élèves, Yuki Onodera ou Mami Kiyoshi y mettent en scène les corps de façon théâtrale, sous l’influence des arts du spectacle traditionnels japonais. L’affiche de l’exposition en donne une idée : une image de Mami Kiyoshi, tirée de la série New Reading Portraits (2004), où trois femmes posent avec leurs appareils photo sur un toit. Pour qui dirige des modèles, ces images montrent comment une pose assumée et un décor choisi construisent un récit.
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Bonjour Paris ! : le regard de l’étranger
Beaucoup de photographes japonais de la collection ont travaillé, voire vécu, à Paris : Ihei Kimura, Yoshi Takata, Keiichi Tahara, Mamoru Sakamoto ou Jun Shiraoka. Leurs vues de la capitale oscillent, selon la BnF, entre curiosité, recherche d’archétypes et rejet de l’exotisme. C’est un bon exercice pour les séances en ville : comment photographier un lieu ultra-connu sans tomber dans la carte postale ?
Calligraphies du monde : l’épure et le contraste
Ici, la figure humaine s’efface devant les formes. Shōmei Tōmatsu, Yasuhiro Ishimoto, Takehiko Nakafuji et Sayuri Ichida cherchent l’épure, avec des contrastes très travaillés et une influence nette de la calligraphie. C’est une leçon de composition pour la photo d’architecture et la photo produit, où un seul élément bien placé suffit souvent.
Sensible et impalpable : l’éloge de l’ombre
La dernière section est consacrée aux atmosphères : les paysages ténébreux d’Hiroto Fujimoto et de Kazuo Amemiya, le vent et l’eau chez Koichiro Kurita et Sayuki Inoue. L’abstraction y passe par la matière même des tirages, « entre velouté de nuances et éloge de l’ombre ». Cette section parle directement à ceux qui retouchent : elle montre ce qu’un noir profond et des tons intermédiaires bien tenus apportent à une image.
Ce qu’un photographe peut en retenir #
Le communiqué insiste sur une particularité de la collection : des œuvres qui allient « une remarquable simplicité de composition à une grande sophistication de tirage ». C’est sans doute la leçon la plus utile pour un professionnel. Une image simple n’est pas une image facile : le travail se déplace vers la lumière, le cadre et la finition.
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Concrètement, la visite peut nourrir une préparation de séance. On peut noter les cadrages qui surprennent, observer la place laissée au vide, ou regarder comment les tirages noir et blanc gèrent les hautes lumières. Ces repères se retrouvent ensuite dans un moodboard ou dans un réglage de développement.
Infos pratiques #
L’exposition se tient à la BnF François-Mitterrand, quai François-Mauriac à Paris (13e), galerie 2. Elle est ouverte du mardi au samedi de 10 h à 19 h et le dimanche de 13 h à 19 h, fermée le lundi, d’après le communiqué de la BnF. La bibliothèque propose aussi des visites guidées de l’exposition, dont le calendrier et les conditions sont à vérifier sur son agenda avant de se déplacer. L’exposition est à voir jusqu’au 31 janvier 2027.
